- Precuela de la Galería Leo Castelli
- Éxito de la novena edición
- Creación de la Galería Leo Castelli
- Primeras exposiciones en la Galería Leo Castelli
- Jasper Johns y Robert Rauschenberg 1958 Solo-Shows
- El modelo Leo Castelli
- Galería Leo Castelli de los años 60
- Un punto de inflexión para la vanguardia estadounidense
- El legado de Leo Castelli:
Fotografía de Leo Castelli tomada por Lorenzo Tricoli
La Galería Leo Castelli es una de las más veneradas de Nueva York. Dedicada a exponer una amplia gama de arte de posguerra, su fundador, Leo Castelli, es considerado hoy en día un punto de influencia fundamental para la vanguardia estadounidense. En la actualidad, su galería se ha trasladado de su casa original de Manhattan a una elegante residencia en el número 18 de East 77th Street, donde sigue exhibiendo lo más vanguardista del mundo.artistas contemporáneos.
Precuela de la Galería Leo Castelli
Leo Castelli y Sidney Janis fuera de la Galería Janis, Fred McDarrah, 1959, Getty Images
Leo Castelli cofundó su primera galería de arte en 1939, bautizada con el nombre de su socio René Drouinand y dedicada al surrealismo, precursora de la galería de bellas artes de Castelli en Estados Unidos. Castelli y su esposa se vieron obligados a huir de Francia al comienzo de la Segunda Guerra Mundial, y tomaron una complicada ruta de escape para llegar a Nueva York. Allí, Leo Castelli quedó cautivado por el barrio de Manhattan deEntre sus amigos de talento se encontraban los expresionistas abstractos Hans Hoffman, Jackson Pollock , Lee Krasner y el marchante Sidney Janis. En 1950, Castelli cortó formalmente los lazos con su galería de París y reorientó su atención hacia el comisariado de exposiciones de arte. Una prometedora escuela de posguerra buscaba una nueva salida creativa.
Éxito de la novena edición
The Ninth Street Show, Aaron Siskind, 1951, NYAC
El espectáculo de la calle Novena se convirtió en el gran éxito de Castelli en 1951. Celebrada en un escaparate vacío del número 60 de la calle Novena Este, la exposición, que marcó un hito, contó con la participación de más de cincuenta artistas emergentes, muchos de los cuales pertenecían a un grupo cada vez más numeroso de expresionistas abstractos llamado El Club. Willem de Kooning expuso su obra Mujer, Joan Mitchell desveló uno de sus muchos Sin título, y Pollock creó su pieza de goteo Número 1. Aunque obtuvieron el éxito de la crítica, la mayoría de estos artistas habían sido rechazados previamente por otras galerías, incapaces de abrirse paso en el naciente mercado del arte contemporáneo. El espectáculo de la calle Novena La comunidad viva de artistas de Nueva York allanó el camino para el siguiente movimiento vanguardista del modernismo.
En 1954, el gobierno federal de EE.UU. reforzó el entorno mediante la aprobación de un código tributario decisivo. Los marchantes como Leo Castelli recibieron un incentivo considerable por sus colecciones de gran tamaño, que ahora podían considerarse un regalo caritativo deducible de impuestos en el momento de la donación al museo. Esta ganancia financiera prospectiva hizo que acumular arte fuera aún más atractivo para una clase incipiente de "capitalistas de riesgo" estadounidenses, un términoacuñado por Revista Fortune Después de publicar dos extensos artículos sobre por qué coleccionar arte es una buena inversión, Fortuna Muchos compradores potenciales ya habían alcanzado el éxito asalariado en campos como el derecho y la medicina, lo que los convertía en un público objetivo ideal. Sin embargo, estos mismos magnates no confiaban inicialmente en la catalizadora coalición vanguardista de Estados Unidos y preferían invertir capital en el fiable flujo de obras maestras modernas de Europa.Por suerte, Leo Castelli tenía más fe en los desvalidos de la New York School de la ciudad.
Creación de la Galería Leo Castelli
Vista de la instalación de la primera exposición, 1957, Galería Leo Castelli
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Gracias.Sus logros como comisario acabaron por inspirar a Castelli para fundar su propia galería en 1957. La Leo Castelli Gallery se inauguró en la casa adosada del marchante de arte en el Upper East Side, donde transformó el salón de su casa en un elegante espacio expositivo de paredes blancas. Sin embargo, Castelli no estaba seguro de la dirección que iba a tomar la galería en un principio, así que fue a lo seguro y utilizó su carisma para tender un puente entre los dos mundos.Castelli exhibió una de las colecciones más diversas de Nueva York, con obras de Fernand Leger y Piet Mondrian junto a su colección de expresionismo abstracto, que fue creciendo hasta incluir a artistas multimedia como David Smith. A medida que el gélido invierno neoyorquino se convertía en primavera, Castelli planeaba su próximo espectáculo. La inauguración de su galería fue todo un éxito.Los círculos intelectuales más exclusivos de Nueva York.
Primeras exposiciones en la Galería Leo Castelli
Bandera, Jasper Johns, 1954-5, Museo de Arte Moderno
La primera gran exposición de la Galería Leo Castelli se inauguró en mayo de 1957. Obra nueva tenía un título sencillo para subrayar una poderosa alineación: Alfred Leslie, Budd Hopkins y Marisol Escobar, entre otros. Alejándose del Expresionismo Abstracto tradicional, la muestra destacaba a los experimentadores emergentes de la ciudad, pioneros que se zambullían en riesgos inminentes. Jasper Johns blandía una encáustica Bandera (1955) , un símbolo desafiante cargado de la angustia de su generación. Creada con cera de abeja caliente sobre madera contrachapada, la representación bidimensional de una bandera estadounidense surgió de un sueño continuo que Johns tenía. Robert Rauschenberg también presentó su nueva obra de collage Gloria (1956), compuesto por trozos de periódicos de la cultura popular. Muchos cuadros revelados en Obra nueva son ahora conocidos en todo el mundo como la creme de la creme del modernismo, remontándose a sus modestos orígenes en la Galería Leo Castelli.
Gloria, Robert Rauschenberg, 1956, Museo de Arte de Cleveland
Los límites creativos volvieron a romperse en diciembre de 1957, cuando Castelli organizó su primera Anuario de coleccionistas . Invitó a veinte destacados marchantes de arte a seleccionar su obra favorita, desarrollando así una estrategia de marketing dual para destacar tanto a los coleccionistas como a los artistas. De este modo, Castelli no sólo creó una línea directa de comunicación entre él y la élite más estimada de Nueva York, sino que también dio a conocer astutamente sus actividades financieras con estos aristócratas. Fue una jugada con mucho tacto, la primera de muchas en la carrera de Castelli.Dada su dilatada experiencia, también demostró ser idóneo para asumir una tarea aparentemente de enormes proporciones: dirigir el arte estadounidense hacia una nueva trayectoria. Anuario de coleccionistas destacó con clarividencia el futuro papel del marchante de arte en el desarrollo de un mercado contemporáneo.
Jasper Johns y Robert Rauschenberg 1958 Solo-Shows
Leo Castelli en la exposición individual de Jasper Johns, 1958, Galería Leo Castelli
En enero de 1958, la galería Leo Castelli se arriesgó a exponer a Jasper Johns, con obras emblemáticas como Bandera, El blanco de las cuatro caras (1955) , y Tango (1956) , La elección de Johns de los símbolos visuales parecía banal en el mejor de los casos, pero su atención a los detalles tediosos marcó un punto de inflexión para la técnica artística. Pinceladas visibles saltaron de sus composiciones gruesas impasto, haciendo hincapié en la originalidad inherente de una obra de arte. Como Calvin Thompkins escribió en su legendario New Yorker Alfred Barr, el primer director del MoMa, incluso asistió a la inauguración y se marchó con cuatro cuadros comprados para la colección del museo. La aprobación del público infundió una nueva confianza en este artista abstracto en ciernes.
Vista de la instalación de Robert Rauschenberg, 1958, Galería Leo Castelli
Desgraciadamente, la exposición individual de Robert Rauschenberg en 1958 tuvo, por el contrario, resultados mediocres. Castelli había accedido finalmente a conceder al artista su propia exposición en marzo de 1958. Para entonces, la obra de Rauschenberg había pasado de las pinturas a intrincados dibujos, como su De Kooning borrado (1953), que exploraba los límites del arte a través de la práctica del borrado (previamente se dirigió a De Kooning para pedirle un dibujo que pudiera borrar, a lo que el artista accedió a regañadientes). Una obra excéntrica incluso presentaba una escalera que dividía la composición, separando un saturado mar de abstracción geométrica. Sin embargo, Jasper Johns resultó ser un acto difícil de seguir. Rauschenberg sólo vendió dos cuadros, uno de los cualesLas dos exposiciones individuales de 1958 se yuxtaponen ahora como ejemplos de ensayo y error, con Johns como arquetipo aspiracional. Sin embargo, la futura realización de Rauschenberg demostraría en última instancia la habilidad con la que Leo Castelli promocionaba a sus artistas.
El modelo Leo Castelli
Roy Lichtenstein en la Galería Leo Castelli, Bill Ray, 1962, Invaluable
Leo Castelli lideró un enfoque sistemático de la gestión de su negocio. Mientras que los distribuidores anteriores veían una relación puramente transaccional, Castelli reconoció el potencial de crecimiento interpersonal. En lugar de seguir un sistema anticuado en el que las galerías se reparten los beneficios al 50%, cultivó métodos para nutrir creativamente a su lista de artistas, formando un vínculo de por vida arraigado en la lealtad. Fundado en la confianza mutuaSu paradigma es tan famoso que ahora se le conoce simplemente como el "modelo Leo Castelli": seguía las fluctuaciones de los mercados, proporcionaba suministros y espacio de estudio, y se desvivía por garantizar canales abiertos de diálogo. Lo más radical de todo es que incluso daba a sus artistas representados un estipendio, independientemente de sus ventas. Castelli fue el primero en postular lo que ahora se considera fundamental para el éxito de la empresa.consumación comercial: la innovadora noción del artista como marca comercializable.
Galería Leo Castelli de los años 60
Latas de sopa Campbell's, Andy Warhol, 1962, Museo de Arte Moderno de Nueva York
En la década de 1960, la Galería Leo Castelli estaba en pleno auge de sus empresas. Castelli firmó a artistas embrionarios como Frank Stella, Donald Judd y Richard Serra. Mientras el expresionismo abstracto se desvanecía en el fondo, nuevos géneros estimulantes como el arte pop y el minimalismo se afianzaban en la imaginación del público. En 1962, Castelli cerró el trato de su venta más impactante hasta la fecha cuando vendió triunfalmente elobra de arte más emblemática de la década, la obra de Andy Warhol Latas de sopa Campbell (1962). Por supuesto, Warhol concibió su revolucionaria serigrafía después de ver las tiras cómicas de su colega Roy Lichetenstein en la Galería Leo Castelli. De este encuentro casual surgió una extravagancia de 32 lienzos, cada uno de ellos pintado con polímero y ligeramente diferente del anterior. Como muchos de los que estaban bajo el ala de Castelli, Warhol llegaría a liderar una cohorte de visionarios en los tumultuosos tiempos de Estados Unidos. Su kitsch PopLas innovaciones artísticas dominaron los titulares durante años.
Un punto de inflexión para la vanguardia estadounidense
Leo Castelli y sus artistas, Hans Namuth, 1982, Academia.edu
Al otro lado del charco, el público europeo se fijó por fin en la escena artística transatlántica. Aunque la vanguardia americana había recibido una considerable atención nacional durante las décadas de 1940 y 1950, las noticias no se habían extendido a Europa hasta años más tarde. Mientras tanto, la Leo Castelli Gallery se las arregló para conseguir clientes como Peter Ludwig, un heredero alemán que acabaría fundando la prominenteMuseo Ludwig de Colonia. En 1962, las pinturas de Jasper Johns habían recorrido París, Estocolmo y Amsterdam, entre otros centros cosmopolitas. Rauschenberg inauguró exposiciones individuales en Düsseldorf y Roma, y también participó en exposiciones colectivas en Yugoslavia, Dinamarca y Noruega, lo que es bastante sorprendente teniendo en cuenta el enorme tamaño de su obra. En la Bienal de Venecia de 1964, Rauschenberg demostró a los críticos que estaban equivocados cuandoobtuvo el prestigioso Gran Premio de Pintura, una categoría que suele concederse a artistas europeos. La victoria comercial de Castelli confirmó el potencial de prosperidad a largo plazo de su modelo de negocio.
El legado de Leo Castelli:
Leo Castelli, Milton Gendel, 1982, Museo Carlo Bilotti
La Galería Leo Castelli se expandió inevitablemente al SoHo durante la década de 1970 para seguir la migración de artistas de Nueva York. Para entonces, la frondosa cabellera de Leo Castelli había encanecido y su magnetismo se enfrentaba a un posible declive: llevaba más de seis años sin aceptar a un nuevo artista. Afortunadamente, otra prometedora galería había abierto también en el piso de arriba, en el 420 de West Broadway, dirigida por la marchante de arte novata Mary Boone. A través de Boone,Castelli descubrió a su siguiente gran oportunidad, un neoexpresionista por entonces desconocido llamado Julian Schnabel. Sentando las bases para una nueva generación de galeristas, el dúo co-representó y comisarió la lucrativa exposición individual de Schnabel en 1981. Incluso después de su muerte natural en 1999, la canónica carrera de Castelli dejó un gran legado. Los famosos marchantes Larry Gagosian y Jeffrey Deitch se encuentran entre los más destacados.otros talentos que formó para seguir sus pasos.
En la actualidad, la Galería Leo Castelli ocupa un edificio en el Upper East Side de Manhattan, que se funde con las lujosas residencias que rodean el barrio. Frente a Bryant Park, en la calle 42, una nueva ubicación sirve de amplio espacio para instalaciones de pintura y escultura a gran escala. Entre estas ocho paredes, los sucesores de Castelli siguen adelante con su misión de apoyar la imaginación emergente,Dado que la mayoría de los pintores que representó en su día siguen recibiendo adoración décadas después de su propia muerte, el marchante de arte sólo puede ser alabado como omnisciente. Leo Castelli previó la génesis de un espíritu creativo mucho más intemporal que el suyo propio.