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Maman escultura de la artista Louise Bourgeois

Maman, una escultura de la artista Louise Bourgeois El Paseo de la Fama de la historia del arte está pavimentado con nombres de artistas masculinos, pero está empezando a coleccionar más artistas femeninas. La percepción general de un maestro y una obra maestra masculinos está fuertemente influida por el hecho de que sus homólogas femeninas faltan casi por completo en nuestros libros de texto y en las galerías de los museos más importantes.

Mujeres artistas hoy

En la industria cinematográfica, la infrarrepresentación de las mujeres en los papeles principales como directoras y productoras ha provocado muchas olas de indignación en los últimos dos años. Hashtags que surgen en las redes sociales como #OscarsSoMale muestran que hay una gran demanda de más visibilidad femenina.

Lo mismo ocurre en la industria del arte, aunque el clamor no es tan fuerte como en Hollywood. Una de las razones podría ser que, al menos en el arte moderno y contemporáneo, se ha producido un cambio más lento y constante hacia la representación de más mujeres. Ya en 1943, Peggy Guggenheim organizó una exposición exclusivamente femenina en su infame galería neoyorquina Art of this Century, que incluía contribuciones deDorothea Tanning y Frida Kahlo. Esta empresa pionera, llamada 31 Mujeres Desde entonces, muchas cosas han cambiado. Hoy hay muchas galerías que representan a un número cada vez mayor de mujeres artistas. También hay más mujeres que contribuyen en prestigiosos festivales de arte y ganan importantes premios.

Grosse Fatigue, Camille Henrot, 2013, vía camillehenrot.fr

Sin embargo, las mujeres artistas siguen estando infrarrepresentadas en el panorama museístico. La empresa de información sobre el mercado del arte Artnet reveló en un análisis que, entre 2008 y 2018, solo el 11 por ciento de todas las obras adquiridas por los principales museos estadounidenses eran de mujeres. Por lo tanto, cuando se trata de una comprensión histórica del arte, todavía queda mucho trabajo por hacer para aumentar la visibilidad de las mujeres artistas ysu trabajo.

He aquí un resumen de mis artistas favoritas de toda la historia del arte, hasta hoy, a las que aprecio por su dominio de múltiples medios, por su pensamiento conceptual, por su tratamiento de temas centrados en la mujer y, por tanto, por crear una obra notable y única.

Camille Henrot

Camille Henrot, artista contemporánea de origen francés, es famosa por trabajar con diferentes medios, desde el cine hasta el ensamblaje y la escultura. Incluso ha incursionado en el Ikebana, una técnica tradicional japonesa de arreglos florales. Aunque lo que hace que su obra sea realmente notable es su capacidad para combinar ideas aparentemente contradictorias. En sus complejas obras de arte, contrapone la filosofía a la cultura pop...Camille Henrot es una experta en envolver las cosas con elegancia, creando atmósferas sutiles y místicas. Sólo después de haberse sumergido en ellas se pueden atar cabos.

Para ilustrarlo mejor, pongamos un ejemplo: entre 2017 y 2018, Camille Henrot expuso en el Palais de Tokyo de París una Carte Blanche titulada Los días son perros, en la que cuestionaba las relaciones de autoridad y ficción que determinan nuestra existencia, y tomaba una de las estructuras más fundacionales de nuestras vidas -la semana- para organizar su propia exposición. Mientras que los años, los meses y los díasestán estructuradas por un hecho natural, la semana, por el contrario, es una ficción, una invención humana. Sin embargo, la narrativa que la sustenta no disminuye sus efectos emocionales y psicológicos sobre nosotros.

El zorro pálido, Camille Henrot, 2014, fotografía de Andy Keate vía camillehenrot.fr

En una de las salas, Camille Henrot expuso su instalación The Pale Fox, encargada y producida previamente por la Chisenhale Gallery, con la que pretendía representar el último día de la semana, el domingo. Se trata de un entorno inmersivo construido a partir del proyecto anterior de Camille Henrot, Grosse Fatigue (2013), una película galardonada con el León de Plata en la 55ª Bienal de Venecia. Mientras que GrosseFatiga cuenta la historia del universo en trece minutos, La zorra pálida es una meditación sobre nuestro deseo compartido de comprender el mundo a través de los objetos que nos rodean. Acumuló material personal y lo superpuso según un exceso de principios (los puntos cardinales, las etapas de la vida, los principios filosóficos de Leibniz), creando la experiencia física de un insomnenoche, una "psicosis de catalogación". En su página web, afirma que "con El zorro pálido, pretendía burlarme del acto de construir un entorno coherente. A pesar de todos nuestros esfuerzos y buena voluntad, siempre acabamos con una piedrecita metida dentro de un zapato".

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Haris Epaminonda

La obra de la artista chipriota se centra en amplios collages e instalaciones de múltiples capas. Para la exposición internacional de la 58ª Bienal de Venecia, combinó materiales encontrados, como esculturas, cerámica, libros o fotografías, que utilizó para construir cuidadosamente una de sus características instalaciones.

Vol. XXII, Haris Epaminonda, 2017, fotografía de Tony Prikryl.

Al igual que Camille Henrot, sus composiciones no revelan de inmediato sus significados subyacentes. Sin embargo, lo que diferencia su obra de la de Camille Henrot es que ella no incrusta sus objetos en complejas narrativas y teorías conceptuales, sino que sus instalaciones están organizadas de una manera mucho más sencilla, evocando una sensación de orden minimalista. Sólo después de observar detenidamente losPara sus composiciones, Haris Epaminonda utiliza objetos encontrados que, en una interpretación tradicional, serían completamente extraños entre sí. Por ejemplo, se puede encontrar un bonsái junto a una columna griega de una forma casi natural. La artista enreda sus objetos en una red histórica y cultural.Aunque Haris Epaminonda no ignora las historias implícitas de sus objetos, prefiere dejar que ejerzan su poder de forma intrínseca.

VOL. XXVII, Haris Epaminonda, 2019, vía moussemagazine.it

Por su vídeo de treinta minutos Quimera, Haris Epaminonda ganó el León de Plata de la 58ª Bienal de Venecia como joven promesa y, desde entonces, es una de las estrellas fugaces del arte contemporáneo internacional.

Njideka Akunyili Crosby

Njideka Akunyili Crosby nació en Nigeria y actualmente vive y trabaja en Los Ángeles. Cuando era adolescente, a su madre le tocó la lotería de la tarjeta verde, lo que permitió a toda la familia trasladarse a Estados Unidos. En sus cuadros, Akunyili Crosby refleja sus experiencias como miembro de la diáspora nigeriana contemporánea. Sobre superficies de papel gigantescas, aplica múltiples capas para representar retratos yinteriores domésticos, yuxtaponiendo profundidad y planitud.

Esta artista trabaja con una técnica mixta que incluye transferencias fotográficas, pintura, collage, dibujo a lápiz, polvo de mármol y tela, entre otras cosas. De este modo, la artista crea cuadros extraordinarios que ilustran temas más bien cotidianos y domésticos en los que se representa a sí misma o a su familia. Su obra es realmente una cuestión de contrastes, tanto formales como de contenido. Tener unSi nos fijamos en los detalles de sus cuadros, encontraremos objetos como un radiador de hierro fundido que indica los fríos inviernos de Nueva York o una lámpara de parafina colocada sobre una mesa, por ejemplo, que procede de los recuerdos que Akunyili Crosby tiene de Nigeria.

Mamá, mamá y mamá (Predecesores nº 2), Njikeda Akunyili Crosby, 2014, vía njikedaakunyilicrosby

Sin embargo, los contrastes no solo se limitan a lo mencionado anteriormente: en 2016, una repentina gran demanda de la obra de Akunyili Crosby, que produce lentamente, superó a la oferta. Esto hizo que los precios de sus obras se dispararan en el mercado. Culminó con la venta de una de sus pinturas en la subasta de arte contemporáneo de Sotheby's en noviembre de 2016 por casi un millón de dólares, estableciendo un nuevo récord de artistas. Solo seismeses después, una obra fue vendida por un coleccionista privado por unos 3 millones de dólares en Christie's Londres y en 2018, vendió otro cuadro por unos 3,5 millones de dólares en Sotheby's Nueva York.

Louise Bourgeois

La artista franco-estadounidense es conocida sobre todo por sus esculturas a gran escala, la más famosa de las cuales es una gigantesca araña de bronce titulada Maman (Louise Bourgeois Spider) que viaja constantemente por todo el mundo. Con una altura de nueve metros, ha creado una representación sobredimensionada y metafórica de su propia madre, aunque la obra no trata en absoluto de revelar una trágica relación madre-hija.Al contrario: la escultura es un homenaje a su propia madre, que trabajaba como restauradora de tapices en París. Al igual que las arañas, la madre de Bourgeois renovaba los tejidos una y otra vez. Así, la artista percibía a las arañas como criaturas protectoras y útiles. "La vida está hecha de experiencias y emociones. Los objetos que he creado las hacen tangibles", dijo Bourgeois en una ocasión para explicar su propia relación con las arañas.obras de arte.

Maman, Louise Bourgeois, 1999, vía guggenheim-bilbao.eus

Además de crear esculturas, también fue una prolífica pintora y grabadora. En 2017 y 2018, el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) dedicó una retrospectiva a la obra menos conocida de la artista, titulada An Unfolding Portrait, centrada sobre todo en sus pinturas, bocetos y grabados.

Mi vida interior, Louise Bourgeois, 2008, vía moma.org

Cualquiera que fuera el medio utilizado por el polifacético artista, Bourgeois se centraba sobre todo en explorar temas que giraban en torno a la domesticidad y la familia, la sexualidad y el cuerpo, así como la muerte y el inconsciente.

Gabriele Münter

Si conoce a Wassily Kandinsky, Gabriele Münter no debería ser un nombre menor para usted. La artista expresionista estuvo al frente del grupo Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) y trabajó junto a Kandinsky, a quien había conocido durante sus clases en la Escuela de la Falange de Múnich, institución vanguardista fundada por el artista ruso.

Bildnis Gabriele Münter (Retrato de Gabriele Münter), Wassily Kandinsky, 1905, vía Wikimedia Commons

Kandinsky fue el primero que se fijó en las habilidades pictóricas de Gabriele Münter a principios del siglo XX. Su relación profesional -que con el tiempo se convirtió también en personal- duró casi una década. Fue durante este tiempo cuando Gabriele Münter aprendería a trabajar con espátula y pinceladas gruesas, aplicando técnicas que derivó de los fauves franceses.

Con sus recién adquiridas habilidades, comenzó a pintar paisajes, autorretratos e interiores domésticos con colores vivos, formas simplificadas y líneas audaces. Después de algún tiempo, Gabriele Münter desarrolló un interés más profundo en pintar el espíritu de la civilización moderna, un tema común para los artistas expresionistas. Al igual que la vida misma es una acumulación de momentos transitorios, ella comenzó a capturar los momentos instantáneos de la vida.experiencias visuales, generalmente de forma rápida y espontánea.

Das gelbe Haus (La casa amarilla), Gabriele Münter, 1908, vía Wikiart

Para evocar sentimientos, utilizaba colores vivos y creaba paisajes poéticos llenos de fantasía e imaginación. La relación entre Gabriele Münter y Kandinsky influyó mucho en la obra del artista ruso, que empezó a adoptar en sus propios cuadros el uso que hacía Gabriele Münter de los colores saturados y su estilo expresionista.

Su relación llegó a su fin cuando Kandinsky tuvo que abandonar Alemania durante la Primera Guerra Mundial y, por tanto, tuvo que volver a Rusia. A partir de ese momento, tanto Gabriele Münter como Kandinsky siguieron con una vida separados el uno del otro, pero su influencia mutua en las obras del otro se mantuvo.

Sophie Taeuber-Arp

Sophie Taeuber-Arp es probablemente una de las artistas femeninas más polifacéticas de la historia del arte. Trabajó como pintora, escultora, diseñadora textil y de decorados y como bailarina, entre otras cosas.

Escenografía de König Hirsch (El rey ciervo), Sophie Taeuber-Arp, 1918, fotografía de E. LinckLa artista suiza comenzó como profesora de bordado, tejido y diseño textil en la Universidad de las Artes de Zúrich. En 1915 conoció a su futuro marido Jean "Hans" Arp, que había huido del ejército alemán durante la Primera Guerra Mundial y se había unido al movimiento Dadá. Él la introdujo en el movimientoy, posteriormente, participó en espectáculos organizados por los dadaístas en el Cabaret Voltaire. Colaboró como bailarina, coreógrafa y titiritera. Además, diseñó marionetas, trajes y decorados para sus propios espectáculos y los de otros artistas en el Cabaret Voltaire.

Además de actuar en actos dadaístas, Sophie Taeuber-Arp creó obras textiles y gráficas que figuran entre las primeras obras constructivistas de la historia del arte, junto con las de Piet Mondrian y Kasimir Malevich.

Gleichgewicht (Equilibrio), Sophie Taeuber-Arp, 1932-33, vía Wikimedia CommonsTambién fue una de las primeras artistas en aplicar lunares en sus obras. Sophie Taeuber-Arp se distinguía por su comprensión de las formas geométricas sofisticadas, por la abstracción y por el uso de los colores. Sus obras se consideraban a menudo pioneras y, al mismo tiempo, alegres.

En 1943, Sophie Taeuber-Arp murió a causa de un accidente en casa de Max Bill. Ella y su marido habían decidido quedarse a pasar la noche cuando se hizo tarde. Era una fría noche de invierno y Sophie Taeuber-Arp encendió la vieja estufa de su pequeña habitación de invitados. Al día siguiente, su marido la encontró muerta a causa de una intoxicación por monóxido de carbono.

Sophie Taeuber-Arp y su marido Jean Arp habían trabajado muy estrechamente durante varios proyectos comunes. Eran una de las pocas parejas de la historia del arte que no encajaban en los roles tradicionales de "el artista" y "su musa", sino que se conocían a la altura de los ojos y eran igualmente respetados y apreciados por sus amigos artistas -Marcel Duchamp y Joan Miró eran dos de ellos- y por los críticos de arte porsus obras